ПРОПОРЦИИ ОРДЕРОВ
Пропорции выражают соотношение размеров (длины, ширины и высоты) самого сооружения и его деталей. Для построения ордеров по определенным законам пропорциональных отношений независимо от их размеров и для возможности сравнения различных ордеров Виньола и Палладио приняли общую меру, выраженную в условных единицах - «модуль». Модуль у Виньолы равен нижнему радиусу колонны и делится для простых ордеров на 12 частей (парт) и для сложных - на 18 парт. Модуль у Палладио равен нижнему диаметру колонны для всех ордеров, кроме дорического, и делится на 60 частей (минут). Модуль дорического ордера равен нижнему радиусу колонны и делится на 30 минут.
Расстояние между осями колонн Таблица 1
Пропорции колонн в модулях по Виньоле и Палладио Таблица 2
Пропорции интерколумния в модулях Таблица 3
Общая высота антаблемента по Виньоле 1/4 высоты колонны во всех ордерах. Общая высота антаблемента по Палладио - 1/4высоты колонны (для простых ордеров), 1/5 высоты колонны (для сложных ордеров). Высота пьедестала равна 1/3 высоты колонны у Виньолы и Палладио.
Ритм отражает частоту повторения архитектурных деталей, например, чередование колонн с интерколумниями (пролетами между рядом стоящими колоннами). Их тоже рассчитывают в модулях .
Тосканский ордер (рис.10)- самый простой, с наиболее массивными колоннами и деревянным антаблементом. Если устраивался каменный антаблемент, его формы являлись упрощенным вариантом дорического антаблемента.
Построение тосканского ордера. Самым простым и наименее богатым в отделке является тосканский ордер. Состоит этот ордер в основном из массивных элементов. Ко-лонна тосканского ордера имеет высоту, равную 14 модулям или, что одно и тоже, 7 нижним диаметрам. Диаметр колонны, от низа к верху, изменяется по кривой энтазиса и возле капители уменьшается на 1/5 нижнего диаметра. Колонна гладкая и не имеет лепных элементов или каннелюр.За единицу измерения элементов ордеров принятмодуль, который равняется половине диаметра ко-лонны (радиусу). Модуль, в свою очередь, делится на строго определенное ко-личество так называемыхпарт. Модуль тосканского и дорического ордеров делится на 12 парт (частей), а модуль ионического, коринфского и сложного ордеров делится на 18 парт.
Составной частью искусства градостроения или «застывшей музыки», как часто называют зодчество, является Слово произошло от латинского выражения "ordo", что означает "строй, порядок". Это упорядоченная, доведенная до совершенства, опирающаяся на строгие расчеты и правила стоечно-балочная конструкция.
Возникновение тосканского ордера как архитектурной формы
Со времен древних средиземноморских цивилизаций до наших дней существуют 5 архитектурных ордеров. Были более поздние попытки создания французского и американского ордеров, но им не удалось стать вровень с классической пятеркой, представители которой отличаются друг от друга размерами и пропорциями, художественной трактовкой элементов, местом возникновения. Наряду с Элладой существовала Древняя Этрурия (современная Тоскана). Отсюда и название - ордер тосканский, но иногда его называют еще этрусским. Считается, что подарила миру три архитектурных типа - дорический, ионический и коринфский, а позднее возникли еще два - тосканский, или простой, и сложный, которые появились в Древнем Риме. Другие исследователи, например древнеримский архитектор и механик Витрувий, утверждают, что ордер тосканский представляет собой более древнюю, или архаичную, форму колонны дорического типа. Во всяком случае, об их родстве говорят определенная схожесть конструкций и планировок храмов, оба отличаются устойчивостью. Само второе название - «простой» - говорит о том, что ордер тосканский выделяется из всех своей незатейливостью и надежностью.
Пропорции и соотношения ордера
Что же представляет собой ордер вообще? Это представляющая собой комплекс, состоящий из пьедестала, колонны, несущих деталей и антаблемента - несомой части. Для всех пяти ордеров характерно данное построение, в каждом из которых все части соизмеримы между собой. Кроме того, существует деление на полный и неполный ордеры, в которых общая высота архитектурной конструкции состоит из 19 архитектурных обломов в первом случае и пяти - во втором. Распределяются они следующим образом:
Пьедесталу достаются 4 части общей длины;
Колонне достаются 12 частей;
Антаблементу, соответственно, три части.
Что касается неполного варианта, в котором отсутствует пьедестал, то распределение идет как четыре и одна часть. Интересны и составляющие самого антаблемента, который включает в себя три части: архитрав, фриз и карниз. Ордер тосканский отличается от своих собратьев еще и тем, что в его верхней несущей конструкции отсутствует фриз, средняя утопленная часть.
Особенности построения
Видимая внешняя простота полного варианта несколько обманчива. Эта архитектурная форма от цоколя до аттика насчитывает в себе 32 детали. Такие специфические понятия, как энтазис или утонение, модуль, парта, используются для того, чтобы рассчитать тосканский ордер, построение которого обосновано в труде «Об архитектуре» упомянутого выше Витрувия. И расчет, и построение отличаются сравнительной простотой, потому что все величины, применяемые для этого, кратны между собой. Так, модуль представляет собой радиус основания колонны, а ее высота насчитывает (у тосканского ордера) 7 диаметров, каждый из которых содержит 24 парты. На 1/3 высоты цилиндрическое тело колонны принимает коническую форму. Это и называется энтазисом.
Значение античных ордеров в архитектуре последующих времен
Все древнегреческие и древнеримские ордеры широко применялись в античной архитектуре. Ими отделывались фасады храмов и правительственных зданий, с их помощью возводились ротонды и открытые галереи. Собственно, только по ним и можно судить об архитектуре и декоративном искусстве древности. Затем на долгие времена интерес к ним был утерян и вновь стал проявляться в XV веке, в эпоху Возрождения. Не остались равнодушными к этим архитектурным формам барокко и классицизм. Одним словом, интерес к ним стал угасать лишь к концу XIX века. Тосканский ордер в архитектуре русского ампира занимал видное место. Многие православные храмы отделывались колоннами. Ярким представителем ампира в России был Карл Росси. И на улице его имени в Санкт-Петербурге, на фасадах других зданий Москвы, присутствуют архитектурные элементы времен Древней Греции и Рима. Они, по сложившейся традиции, символизируют величие духа и воинскую славу нации.
Построение ордеров в массах – это упрощенное их изображение, в котором исключаются мелкие подробности, и все кривые линии условно заменяются прямыми (рис 2, 3).
В связи с тем, что основные пропорции композитного ордера такие же, как и коринфского, а по богатству отделки и оригинальности он мало отличается от ионического и коринфского, подробному анализу подлежат четыре ордера – тосканский, дорический, ионический и коринфский (рис.1).
Все части ордера имеют определенные размеры, которые находятся в строгом взаимном соотношении. Правильное соотношение между высотой колонны и антаблемента зодчие искали в течение многих веков. Изучая эти размеры по сохранившимся древним зданиям, теоретик эпохи ВозрожденияВиньола вывел некоторые средние простые отношения, которые сделались общепринятыми.
По Виньоле высота антаблемента составляет 1/4, а высота пьедестала – 1/3 часть высоты колонны. Следовательно, для определения основных частей ордера надо всю его высоту разделить на 3 неравные части, пропорциональные 1/4:1:1/3 или 3:12:4 (приведя дроби к общему знаменателю). Складывая эти части, получим 19, т.е. разделив всю высоту на 19 частей, 3 верхние части отделяем на антаблемент ; 12 средних частей – на колонну и 4 нижних – на пьедестал .
Рассмотрим в отдельности каждую часть, вошедшую в состав ордера.При сравнении представленных в табл. 1 четырех ордеров в массах видно, что тосканская колонна отличается от других типов колонн большей массивностью и тяжеловесностью пропорций. Толщина ее равна 1/7 высоты. Толщина дорической колонны несколько меньше и равняется 1/8 высоты, ионической – 1/9, коринфской – 1/10.
Так как все части ордера по своим размерам зависят одна от другой, здесь нет места абсолютным величинам таким, как метр, сантиметр.
В каждом отдельном случае за единицу меры надо принять какую-либо часть ордера. Такой частью стали считать нижний радиус колонны и назвали эту меру МОДУЛЕМ. Для изображения мелких деталей ордера модуль делится на части, называемые ПАРТАМИ; в тосканском и дорическом ордерах их 12, а в ионическом и коринфском – 18 парт.
Уяснив себе, что такое модуль и пользуясь данными таблицы 1, в которой приведены в модулях размеры основных частей ордера, можно продолжить построение ордеров в массах.
Таблица 1
Построение архитектурных ордеров в массах
Колонна представляет собой круглый столб, несколько утоняющийсякверху.
Это утонение составляет 1/6 часть от нижней толщины колонны и обычно начинается с одной третьей части ее высоты, нижняя же треть колонны делается цилиндрической. Таким образом, верхний диаметр колонны составляет 5/6 нижнего диаметра. При вычерчивании колонны в небольшом масштабе утоняющаяся часть показывается слегка наклонными линиями. При значительном масштабе утонение делается по плавной кривой, называемой ЭНТАЗИСОМ.
Наметив главную среднюю часть колонны, называемую СТЕРЖНЕМ или СТВОЛОМ, можно перейти к построению нижней ее части – БАЗЫ, а затем верхней – КАПИТЕЛИ.
Высота баз у всех ордеров равняется одному модулю. База состоит из двух частей: нижняя часть – квадратная плита – ПЛИНТ – составляет основание базы; верхняя часть – КОЛЬЦО, круглое в плане, – переход от стержня колонны к плинту (рис. 2).
В тосканском и дорическом ордерах кольцо и плинт равны по величине и кольцо в массах изображается наклонной линией, расширяющейся книзу под углом 45°, В ионическом и коринфском ордерах кольцо составляет 2/3 высоты базы и расширение его книзу показывается под углом 60°.
Верхняя часть колонны называется КАПИТЕЛЬЮ.
Высота капителей тосканского и дорического ордеров, как баз, равна одному модулю. Капитель состоит из трех, одинаковой ширины, частей. Верхняя часть – квадратная плита – АБАКА; средняя – круглая в плане в виде полувала – ЭХИН; нижняя – продолжение стержня колонны – ШЕЙКА. Разделив высоту капители на три равные части, следует рассматривать шейку как продолжение стержня колонны; эхин показывается наклонной линией, расширяющейся кверху под углом 45°; абака изображается вертикальной линией непосредственно от наклонной эхина.
Капитель ионического ордера имеет особые спиральные завитки – ВОЛЮТЫ и сильно отличается от других капителей. Она имеет абак и вал, не имеет шейки, а высота капители равняется 2/3 модуля. Построение ее в массах производится следующим образом. Откладывается общая величина капители – 2/3 модуля, а затем абака – 1/6 модуля. На линии низа капители – на расстоянии I модуля от оси колонны находятся центры волют. Условно волюты изображаются в виде прямоугольника. При этом соблюдаются величины удаления сторон прямоугольника от центра волюты: по вертикали вверх – 9 парт, вниз – 7 парт; по горизонтали дальше от оси колонны – 8 парт, ближе к оси – 6 парт. При весьма незначительном модуле допускается волюты изображать в форме квадрата со стороной, равной одному модулю (рис. 4,а).
Высота коринфской капители – 2 и1/3 модуля; 1/3 модуля приходится на абак и 2 модуля на остальную часть капители, имеющую сложную обработку в виде двух рядов листьев и вырастающих из них завитков. Ширина абака составляет три модуля. После откладывания в одну и другую сторону от оси по 11/2 модуля из зафиксированных точек проводят наклонные под углом 45° к оси колонны до пересечения с нижней линией абака, а затем продолжают их до соединения с верхом ствола колонны (рис. 4,б).
Рис.4Капители в массах: а) ионическая; б) коринфская
Переходя к построению антаблемента, необходимо помнить ПРАВИЛО НЕСВЕШИВАЕМОСТИ, состоящее в том, что верхние части архитектурных элементов не должны быть шире нижних, т.е. на всяком изображении угловой колонны вертикальная линия угла антаблемента должна соответствовать продолжению очертания ствола колонны. Те архитектурные части, которые в силу особых причин имеют расширения кверху, не должны нести никакой нагрузки (свешивающаяся часть карниза).
Антаблемент состоит из трех частей: АРХИТРАВА, ФРИЗА И КАРНИЗА.
Архитрав – первая существенная часть антаблемента, представляющая собой горизонтальные балки, которыми перекрывают пространство между колоннами. В первых двух ордерах архитравы имеют очень простую форму и величина их равна 1 модулю. В ионическом ордере эта форма расчленена на три полосы и завершается профилем наверху. Соответственно увеличена высота архитрава – до 1 и 1/4 модуля.
В коринфском ордере архитрав подучил еще большее развитие и имеет высоту 1 и 1/2 модуля. Учитывая, что во всех ордерах в верхней части архитрава имеются выступающие элементы, условно при изображении этой части ордера в массах линия архитрава слегка расширяется кверху. Над архитравом помещается средняя часть антаблемента – фриз. Для всех четырех ордеров фриз показывается вертикальной линией, совпадающей с линией продолжения ствола колонны. Размер фриза выполняется по данным, приведенным в таблице 1.
Над фризом находится верхняя часть антаблемента – карниз.
Это одна из важнейших архитектурных форм, имеющая расширение кверху, которое объясняется особым назначением карнизной части ордера или здания. Если бы стена здания заканчивалась наверху гладко, без каких-либо выступающих частей и от неенепосредственно начиналась бы крыша, то пыль вместе с атмосферной влагой потекла бы с крыши по стенам здания. Во избежание этого в верхней части стены укладываются каменные плиты, выступающие вперед из плоскости стен, и от этих плит начинается крыша. Такие выступающие каменные плиты составляют СВЕШИВАЮЩУЮСЯ ЧАСТЬ КАРНИЗА (рис.5). Благодаря свешивающимся карнизным плитам вода с крыши течет по наружной вертикальной плоскости этих плит вниз, в некотором отдалении от стены. Однако вследствие свойства воды, часть жидкости, отдуваемая ветром, может попадать на стену. Чтобы этого не случилось – в нижней поверхности свешивающейся каменной плиты делается углубление. Капли воды, достигнув выемки в плите, подняться вверх не могут и как слезы капают вниз. Это сходство послужило поводом к тому, чтобы дать желобку в камне название СЛЕЗНИК, а сам камень назвать СЛЕЗНИКОВЫМ КАМНЕМ.
Рис.5 Элементы карниза
Стремление возможно больше выдвинуть вперед эту свешивающуюся часть и обеспечить ей равновесие привело к устройству уширения стены под слезниковыми камнями, которое получило название ПОДДЕРЖИВАЮЩЕЙ ЧАСТИ КАРНИЗА.
Для предохранения от подтеков воды, ярко освещенной солнцем наружной поверхности слезникового камня, часть кровли, находящаяся непосредственно на слезнике, выполняется в виде художественно обработанного желоба. Эта часть карниза называется ВЕНЧАЮЩЕЙ. Обычно она декорирована львиными головами и орнаментом.
Таким образом, карниз состоит из трех частей: поддерживающей, выступающей и венчающей. Величина каждой части карниза указана в таблице. При построении в массах вынос карниза условно принимается равным его ширине, так что самая выступающая точка определяется проведением наклонной линии под углом 45° от нижней части карниза. Средняя часть карниза выступает вперед, имея свес в виде горизонтальной прямой, составляющей нижнюю часть слезникового камня.
Изображение пьедесталов не представляет трудностей и подробно не описывается. Необходимо только помнить, что базы являются очень важными конструктивными частями ордера и ширина пьедестала должна равняться ширине нижней части базы колонны.
Изучив все четыре ордера в главных чертах или в массах, дальнейшее исследование их должно идти по пути рассмотрения отдельных деталей.
Глава «Искусство Тосканы». Раздел «Искусство Италии». Всеобщая история искусств. Том II. Искусство Средних веков. Книга I. Европа. Авторы: А.А. Губер, В.А. Лебедев; под общей редакцией Ю.Д. Колпинского (Москва, Государственное издательство «Искусство», 1960)
Тоскана оказалась той областью Италии, где исторический переход от средневековья к Возрождению произошел ранее, чем где-либо, и притом в классической форме. Тосканские города были объектом борьбы между императорами и папами, но благодаря своей гибкой политике, добиваясь уступок то с одной, то с другой стороны, они рано сумели обеспечить себе фактическую независимость как от империи, так и от папства. Располагая выходом к морю, Тоскана (в первую очередь город Пиза) начиная со времени крестовых походов сумела извлечь большие выгоды из торговых операций на Востоке, а также из посреднической торговли между Востоком и Западом. Быстрое накопление денежных средств стимулировало интенсивное зарождение производства на новой, раннекапиталистической основе; наряду с банками в тосканских городах появились мануфактуры. Как и в центрах Ломбардии, здесь рано победил коммунальный строй, но его завоевания оказались в Тоскане более прочными. Достаточно сказать, что в течение 13 в. в Тоскане, особенно во Флоренции, доминирующей политической силой стали горожане, а феодалы-дворяне оказались лишенными не только привилегий, но и возможности полноправного гражданского существования. Классовая борьба между горожанами и дворянами, а также между верхушкой коммуны и народными массами города протекала в Тоскане в особенно ожесточенных формах. Сложившиеся в этой области Италии общественные условия оказались наиболее благоприятными для той перестройки общественного сознания, симптомы которой в 13 -14 вв. наметились и в других областях страны. Здесь эта перестройка совершилась наиболее радикально. Закономерно, что именно Тоскана, родина Данте и Джотто, оказалась колыбелью Ренессанса.
В Тоскане, как и в Ломбардии, ведущую роль в развитии искусства играла художественная традиция Севера, а не Востока. В частности, средневековое тосканское зодчество во многом связано с романской архитектурой.
Оригинален по формам известный пизанский ансамбль, в который входят собор, кампанила (так называемая «падающая башня») и баптистерий. Строительство собора было начато в 1063 г. мастерами Бускетом и Райнальдусом и закончено в 1118 г. В 1174 г. Вильгельм из Инсбрука и Бонанно начали строить кампанилу. Баптистерий, начатый Диотисальви в 1153 г., был закончен лишь в 14 в. Вопреки обычаям, соборный комплекс в Пизе сооружен не в центре города, а вне городской застройки, на зеленом лугу. Это дало возможность строителям учесть наиболее выгодное соотношение основных объемов и характер восприятия здания с разных сторон. Аркады на пармских фасадах отчасти воспринимались еще как декоративные вставки в массивную романскую плоскость; в пизанских же постройках аркада становится основной архитектурной темой, определяющей организацию фасада. Так, из пяти ярусов, на которые расчленен западный фасад собора, четыре яруса занимает аркатурная галлерея, а круглая кампанила окружена шестиярусной аркадой, опирающейся на тонкие изящные колонки. В результате характерная романская массивность в этих фасадах совершенно исчезает и сами по себе весьма внушительные по размерам сооружения пизанского соборного комплекса производят впечатление легкости и особой праздничности. Внутри монументальное здание пизанского собора разделено рядами колонн на пять нефов, пересекаемых трехнефным трансептом. Над пересечением возвышается купол. Хотя во втором ярусе среднего нефа помещены традиционные эмпоры, общее впечатление от соборного интерьера очень разнится от впечатления, создаваемого интерьерами классических романских построек. Вместо массивных опор и тяжелых перекрытий в пизанском соборе перед зрителем предстает целый лес изящных, стройных колонн с антикизированными базами и капителями, легко несущих своды боковых нефов и стены среднего нефа, причем стены эти благодаря кладке в виде горизонтальных полос из разноцветных мраморов кажутся лишенными тяжести. В скульптурном убранстве собора особое место занимают бронзовые двери с рельефными композициями, по своим стилевым качествам обнаруживающими черты близости к романской рельефной пластике этого рода по ту сторону Альп.
Примеры наиболее радикального выражения светских тенденций тосканского Зодчества дает архитектура Флоренции. Характерной особенностью флорентийского строительства является ориентация на раннехристианские базилики с их деревянными перекрытиями, Т-образным расположением трансепта, античными пропорциями колонн. Строительным материалом здесь служил горный камень, а для облицовки применялся разноцветный (обычно белый и темно-зеленый) мрамор. Располагаемый простым геометрическим узором, он придавал зданиям неожиданную для романской эпохи нарядность и жизнерадостность. Такое убранство получило наименование инкрустанионного стиля.
Один из главных образцов этого стиля - красиво поставленная на высоком холме церковь Сан Миньято аль Монте (конец 11 - начало 13 в.), трехнефная плоско перекрытая базилика с открытыми стропилами, без трансепта. Ее западный фасад в нижнем ярусе разделен пятью полукруглыми арками. Средняя и две крайние имеют дверные проемы, а две промежуточные украшены панелями, составленными из разноцветного мрамора и повторяющими мотив двустворчатой двери. Скаты боковых нефов покрыты косой штриховкой, а выступающий вверх торец центрального нефа декорирован прямоугольниками и кругами. Мотив арок снова повторяется во фронтоне, на этот раз лишь в виде инкрустированного орнамента. Хотя фасад Сан Миньято точно соответствует внутренней структуре сооружения, он все же воспринимается в значительной мере как декоративная плоскость.
Своеобразный разрыв между характером облицовки фасада и реальной структурой сооружения можно наблюдать на примере флорентийского баптистерия (12 - начало 13 в.). Восьмиугольное здание центрического типа перекрыто восьмилотковым сводом наподобие купола; однако снаружи этот свод заслонен скатами кровли. Внешнее убранство не соответствует внутреннему пространству и в других отношениях: снаружи видны три этажа, тогда как внутри их только два; внешний первый этаж значительно ниже, чем внутренний. Таким образом, оболочка здания создает как бы самостоятельный архитектурный образ, не имеющий полного соответствия со структурой интерьера.
В гармоническом характере построек инкрустационного стиля, в приверженности его создателей к архитектурным формам, восходящим к античным прообразам, в общем жизнерадостном духе, который отличает его памятники, - во всем этом некоторые исследователи склонны видеть признаки качественно иного художественного содержания, нежели в собственно средневековых сооружениях. На этом основании постройки инкрустационного стиля относятся ими к искусству Проторенессанса. Несомненно, что в архитектуре инкрустационного стиля светские и классические тенденции выразились с наибольшей наглядностью, и, конечно, не случаен тот факт, что эти памятники возникли в Тоскане, которую называют колыбелью Возрождения. Но отнесение их к искусству Проторенессанса все же неправомерно. Во-первых, памятники инкрустационного стиля отделены от проторенессансного искусства слишком большим хронологическим промежутком: они начали создаваться в 11 - 12 вв., то есть за два столетия до эпохи Джотто. Во-вторых, некоторые особенности этого стиля, проявляющиеся, в частности, в известном разрыве между реальной структурой здания и ее декоративным истолкованием в ее наружных формах, свидетельствуют о том, что переход от принципов средневекового зодчества к качественно иным художественным принципам (отличающий, например, живопись Проторенессанса) здесь еще не начался.
Готический период развития тосканской архитектуры уже нельзя назвать средневековым в полном смысле этого слова. Появление готики на итальянской почве падает на 13- начало 14 в., то есть на время, когда экономические отношения, социальный строй, быт и общественное сознание (особенно к концу 13 в.) в передовых тосканских центрах во многом качественно меняются. С конца 13 столетия в Италии наступает эпоха Проторенессанса. Достаточно сказать, что в тот же период, когда создаются готические сооружения Тосканы, творят поэты «сладостного нового стиля» и Данте, работают Никколо и Джованни Пизано, а в области живописи Джотто закладывает основы новой художественной эпохи. Архитектуре этой поры не суждено было стать основной выразительницей новых идейных тенденций. Но определенное преломление и отражение эти тенденции получили и в области архитектуры.
В 1278-1350 гг. велось строительство одного из известных памятников флорентийского зодчества - церкви Санта Мария Новелла - готической постройки, которая уже содержит в себе предвестие архитектурных решений эпохи Проторенессанса. Она создавалась по заказу доминиканского ордена, который, как и другие нищенствующие ордена, начиная с цистерцианцев, способствовал распространению готики в Италии, и в плане обнаруживает определенное сходство с образцами цистерцианской архитектуры. Однако в трактовке нищенствующих монахов религия приобрела новый оттенок. Главной формой воздействия на верующих вместо торжественного обряда стала проповедь. В соответствии с этим меняется и облик готического интерьера. По сравнению с классическими интерьерами готики залитое светом просторное и уравновешенное внутреннее пространство церкви Санта Мария Новелла вызывает ощущение ясности и строгого спокойствия. Резко меняются пропорции: интерьер становится ниже, расстояния между столбами шире, границы нефов утрачивают резкость, пространство церкви сливается воедино. Здесь слабо выражены такие собственно готические принципы, как динамический пространственный порыв к алтарю и устремленность архитектурных форм вверх. Зато в середине зала появляется новый акцент: прикрепленная к одному из столбов кафедра проповедника. По существу, в интерьере церкви почти не остается и следа от мистического духа готики, от ее стремления покорить человека экспрессией ритмов и грандиозностью масштабов. В то же время " легко представить себе этот просторный зал заполненным людьми, жадно слушающими взволнованную речь проповедника, которая звучит уже не на латыни, а на народном итальянском языке.
Поскольку вопросы дальнейшей эволюции тосканской архитектуры связаны уже с эпохой Проторенессанса, памятники тосканского зодчества конца 13 - начала 14 в. будут рассмотрены наряду с живописью и скульптурой этого времени в томе, посвященном искусству Возрождения.
В искусстве Тосканы романского периода живопись не играла сколько-нибудь существенной роли. Лишь применительно к 13 в. можно говорить о сложении живописных школ в тосканских центрах. Мощным толчком к этому послужила волна византинизма, охватившая всю Италию в 13 столетии. В 13 в. византийское влияние стало особенно интенсивным, поскольку после разгрома крестоносцами Константинополя в 1204 г. и основания Латинской империи многие византийские мастера перебрались в Италию и продолжали здесь работать, непосредственно передавая свой опыт местным художникам. Последние, перерабатывая византийскую традицию, создали многочисленные произведения иконописи, разнообразные по своему характеру, но объединенные в искусствоведческой науке под общим термином maniera bizantina (византийская манера). Разновидностью «византийской манеры» была и тосканская живопись 13 в. Среди живописных школ Тосканы наибольшее значение имели пизанская и флорентийская.
Мастера пизанской школы наиболее непосредственно следуют византийской традиции. Созданная в последней четверти 13 в. «Мадонна» (в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина) позволяет судить о характере пизанской иконописи. Художник со всей догматической строгостью повторяет образ-тип, сложившийся в искусстве Византии. Икона исполнена в принципах строгой, тяжеловесной монументальности. На золотом фоне ясно читаются звучные цветовые тона одеяний - вишневые и темно-синие. Фигура Мадонны, держащей младенца, обрисована ясным, медленным по ритму, текучим силуэтом. Золотые нити ассиста, пронизывая драпировки, усиливают декоративный эффект изображения.
Среди мастеров пизанской школы выделяется Джунта Пизано (середина 13 в.). Его излюбленной темой были «Распятия», исполнявшиеся на досках в форме креста. Аскетические фигуры с вытянутыми пропорциями, резко выступающие ребра, непомерно длинные и худые руки и ноги, удлиненные и далекие от реального образа лики - все это говорит о влиянии византийской иконописи на Джунта Пизано. Вместе с тем персонажи Джунта проникнуты своеобразной взволнованностью, свидетельствующей о пробуждении личного, лирического начала в его искусстве, характерного для мироощущения 13 в. Этот оттенок звучит особенно явственно в образе Иоанна Богослова из «Распятия», находящегося в пизанской церкви святых Раньеро и Леонардо.
Флорентийская школа на первых порах была более консервативной, чем пизанская. Среди ее многочисленных мастеров следует выделить Коппо ди Марковальдо, работавшего в третьей четверти 13 в. Ему принадлежит большая икона «Мадонна с младенцем» (Сиена, церковь Санта Мария деи Серви). «Небесная царица», монументальная и величественная, изображена на троне с младенцем на руках. Исполненная яркими, гладкими, наподобие эмали, красками, сияющими на золотом фоне, икона производит сильное декоративное впечатление.
Заметный прогресс в сравнении с предшественниками знаменует творчество Чимабуэ (вторая половина 13 - начало 14 в.), одного из известнейших мастеров своего времени. Прежде всего он сплошь и рядом отказывается от следования византийским иконографическим схемам, стремясь по-своему осмыслить традиционные религиозные сюжеты. Сохраняя строгую монументальность изображений, Чимабуэ пытается сообщить им иллюзию реальности. К числу бесспорных работ художника исследователи относят мозаику «Св. Иоанн» в Пизе, роспись нижней церкви в Ассизи, фрески трансепта верхней церкви в Ассизи, «Распятие» в церкви Сан Доменико в Ареццо и «Мадонну» во флорентийской галерее Уффици. Последнее из названных произведений пользуется наибольшей известностью. Общая условность этой громадной иконы свидетельствует о том, что мастер не выходит окончательно за пределы maniora bizantina. Сохраняется традиционная разобщенность персонажей; изображение Мадонны значительно превосходит по масштабу остальные фигуры: ангелы расположены не в пространстве, а размещены друг над другом. В трактовке одежд используется золотая прорись; пророки, помещенные внизу, принадлежат иной пространственной среде, не связанной с Богоматерью и ее окружением. Однако фигуры и лица приобрели здесь большую осязательность, трон богоматери - вещественную убедительность, жесты ангелов - признаки жизненного правдоподобия. Все это было незнакомо иконописи до Чимабуэ.
Искусство Чимабуэ - одно из тех явлений, которые подводят итог средневековому этапу в развитии итальянской живописи. Работы Чимабуэ содержат много находок, которые, будучи развиты живописцами следующего поколения, помогли итальянскому искусству сделать большой шаг вперед, хотя сам Чимабуэ еще не совершил этого решительного шага. Эту миссию выполнил младший современник Чимабуэ - Джотто ди Бондоне, художник, творчество которого знаменует важнейший этап на пути к искусству итальянского Возрождения.
В итальянских источниках, а прежде и в искусствоведческой науке Чимабуэ рассматривали как непосредственного предшественника Джотто. Однако более внимательное изучение его творчества и искусства его времени в целом опровергает это утверждение. В несравненно большей мере качествами новатора обладал римский мастер Пьетро Каваллини, который и должен расцениваться как непосредственный предшественник Джотто. Однако художественные достижения Каваллини непосредственно связаны с вопросами искусства Проторенессанса и хронологически в своем большинстве также относятся к этой эпохе.
Особое место в развитии итальянского средневекового искусства занимает миниатюра. В знаменитом монастыре Монтекассино и в других бенедиктинских аббатствах южной Италии преобладающее значение имела византийская школа, отодвигавшая на второй план местную традицию, близкую к каролингскому типу. Образцами византийской манеры в школе Монтекассино могут служить «Лекционарий переписчика Льва» (1072) и принадлежащая тому же художнику рукопись «Чудесные деяния Бенедикта». Живые, тонко нарисованные фигуры Этих рукописей раскрашены гуашью с большим чувством колорита. Что касается текста, то он по-прежнему исполнялся крупными причудливыми буквами так называемого ломбардского стиля, а инициалы сохранили замысловатую вязь переплетение ленточного и растительного орнамента, фигуры зверей, кусающих друг друга, и другие украшения дороманского типа. Они лишь приобретают в это время большее изящество и богатство красок. Таким образом, в итальянской средневековой миниатюре проявились два различных начала. В одной рукописи из Мирабеллы Эклано (11 в.) эти элементы - искусный византийский стиль и более примитивная западная манера - сочетаются еще более наглядно, в виде двух самостоятельных серий рисунков, из которых одна сделана опытной рукой мастера, а другая наивным пером местного художника.
Своеобразным изобретением итальянского средневековья, не имевшим никакого византийского прообраза, были «свитки ликования» - длинные молитвы, написанные на пергаменте и начинавшиеся латинским словом Exultet, которым и обозначают обычно такие свитки. Эти молитвы читались накануне пасхи при благословении пасхальной свечи. По мере того как диакон разворачивал и читал, рукопись, пергаментный свиток спускался с амвона все ниже и ниже, так что молящиеся, не знавшие латыни, могли угадывать содержание текста по иллюстрациям, которые с этой целью помещались в тексте в перевернутом положении. Свитки «Exultet» содержали до семнадцати подобных рисунков, среди которых, были изображения ангелов, библейские и евангельские сцены и аллегории. Были здесь также изображения различных предметов и одежд, относящихся к церковному культу, а так как молитва оканчивалась благословением города, архиепископа или феодального властителя, то в конце свитка следовали обычно портреты, например портреты императоров, окруженных свитой. Миниатюры этого рода стали, таким образом, не только достоянием образованных людей, читавших латинские книги, - они служили своего рода лубочными картинками для народа. Своеобразным изменениям подвергся в Италии и стиль византийской миниатюры. Она обогатилась множеством мотивов средневекового западного быта, а само исполнение приобрело больше графической четкости и декоративной красоты. Одним из красивейших памятников этого типа является «Свиток аббата Ландольфа» (между 978 и 984 гг.), происходящий из Беневента. Среди свитков 10-13 вв. наряду с изысканными образцами книжной миниатюры, впитавшей в себя приемы византийского искусства, известны рукописи более простого исполнения, глубже связанные с местной народной культурой.
Другая группа памятников итальянской миниатюры возникла на севере - в Ломбардии. Она отличается большей близостью к приемам так называемого оттоновского искусства. Наиболее известным произведением этого типа является созданный около 1000 г. «Сакраментарий епископа Вармунда».
Как и в других европейских странах в эпоху средневековья, в Италии широкое распространение получили различные виды прикладного искусства - торевтика, ювелирное дело, мелкая пластика, резьба по различным материалам. Очень большую роль в экономике богатых итальянских городов играли художественные ремесла. Из них особенно важное значение для культуры и быта не только Италии, но и всей средневековой Европы имело изготовление узорных тканей.
Художественное ткачество зародилось в Италии уже в период раннего средневековья. Через итальянские города вместе с посреднической торговлей с Востоком шла и торговля драгоценными восточными тканями. В 12 в. шелкоткацкое ремесло достигло в Италии полного расцвета, образовались крупные центры по производству сложных узорных тканей - Лукка, Генуя, Сиена, Флоренция и Венеция, экспонировавшие свои товары в Западную Европу.
Самым распространенным видом тканей были камки, или, как их называли, диасперы. Ранние итальянские диасперы были одноцветными, их искусно окрашивали привозившимися с Востока натуральными красителями в синие, красные, зеленые, коричневые и лиловые тона. Рисунок был блестящим по матовому фону; ткань переливалась и играла; к тому же платья украшались и обильной вышивкой цветными нитками, золотом и жемчугом, иногда с самоцветными камнями.
Более поздние итальянские ткани двухцветны, в них господствуют сочетания простых контрастных цветов; очень распространено сочетание красного рисунка с зеленым фоном. Орнаментация итальянских тканей 12 -13 вв. при значительном проникновении в нее восточных мотивов представляет собой одну из форм романского орнамента. Его основные мотивы - звери и птицы, заключенные в обрамление из кругов и многоугольников. Узор равномерно покрывает всю плоскость ткани.
В конце 13-начале 14 в. луккские ткачи создали новый вид парчовой ткани. Этот тип ткани во многом определил характер костюма готической эпохи. В отличие от восточных массивных литых парчей, почти сплошь затканных золотом и серебром, луккские парчовые ткани были довольно легкими и гибкими. Тончайшая нить золота или серебра выводилась на поверхность ткани только в рисунке. В костюме и драпировках эта ткань ложилась устойчивыми заламывающимися складками; мягкий блеск золота придавал им скульптурность, а сравнительно мелкий узор смягчал излишнюю тяжесть и монументальность форм. Эта особенность ткани, эстетически осмысленная в скульптуре и живописи, стала постоянным мотивом в искусстве средневековой Европы.
Большим своеобразием и острой выразительностью обладал и орнамент луккских парчей. Излюбленной темой орнаментальных композиций были сцены охоты. Итальянские ткачи легко и непринужденно вводили в орнамент многочисленные сюжетные изображения. Особенно часто в узорах встречаются мотивы средневековых замков и крепостей, сцены охоты с гепардами, погони и борьбы зверей.
Венецианские ткани отличались особой роскошью орнамента; в них широко использовались восточные экзотические мотивы. В Генуе выделывались сложные узорные бархаты, во Флоренции наряду с шелком вырабатывались тонкие узорные сукна. Все эти ткани прочно вошли в быт европейской знати, как об этом свидетельствует европейская живопись позднего средневековья.
Колонна имеет базу; капитель, дорийская по форме, дополняется перехватом (шейкой, выемкой). Антаблемент состоит из двух лежащих рядом деревянных балок. Фриза нет, а роль карниза выполняет сильно свешивающаяся в виде навеса крыша. Вообще, по формам, это «архитравный» дорийский ордер с очень легкими пропорциями. Как на признак его дорийского происхождения можно еще указать на сходство между планами храмов тосканского ордера и древнейшими дорийскими планами.
Смешанные ордера
 |
| Рис. 229 |
Для завершения обзора мы считаем необходимым упомянуть о свободных сочетаниях ордеров, которыми пользовались древние, заимствуя их элементы у канонических типов.
Независимо от капителей смешанных форм, которые можно по желанию назвать ионийскими или коринфскими, в греческой архитектуре встречается ионийский и даже коринфский ордер, увенчанный дорийским фризом с триглифами.
Витрувий допускает применение триглифов в композициях коринфского ордера, и мы встречаемся с ними в азиатских памятниках эпохи упадка, в гробницах Петры. Что же касается применения триглифов в ионийском ордере, то уже в V в. мы находим этому пример в так называемом храме Эмпедокла в Селинунте (рисунок 230).
Такое же смешение мы наблюдаем и в гробнице Ферона в Акраганте, в одном из портиков Пергама и во многих памятниках Помпеи. При отсутствии триглифов в ионийском ордере колонны расставлены на равном расстоянии друг от друга; но с появлением триглифов последний промежуток между колоннами суживается (рисунок 188).
За пределами греческого мира ордера не только смешиваются, но часто являются носителями элементов, чуждых эллинскому искусству. По побережьям Сирии и Африки наряду с греческим влиянием продолжало удерживаться и финикийское, вследствие чего здесь греческие ордера усложняются примесью финикийских, т.е. египетских элементов. Впрочем, смешанные композиции подобного рода не лишены известного стиля изящества. Детали частей на рисунке 229 дают нам представление о некоторых из них.
A - представляет собой композицию, заимствованную из архитектуры африканского побережья – Медрасен, гробницы нумидийских царей. Остальные принадлежат архитектуре эпохи греческого влияния в Палестине; B – колонна в одном из входов в ограду Иерусалимского храма; C – антаблемент так называемой гробницы Авессалома. Фриз, расположенный в самом низу, взят из так называемой «Гробницы царей» в Иерусалиме.
На деталях A и C рисунка 229 отметим замену греческого карниза египетской выкружкой; B – капитель полуегипетской, полукоринфской формы. В «Гробнице царей» мулюры антаблемента ломаются под прямым углом, чтобы в виде наличника обойти вокруг портика.
Эти последние примеры достаточно ясно показывают, во что превращаются греческие ордера в странах, куда влияние Греции проникает лишь косвенными путями.
В греческих же колониях искусство сохранилось в такой же чистоте, как и в метрополии: там никогда не допускали примеси чуждых элементов. Оно видоизменилось лишь впоследствии, чтобы удовлетворить вкусам и потребностям Рима.
Глава «Тосканский ордер. Смешанные ордера» раздела «Архитектура Древней Греции» из книги Огюста Шуази «История архитектуры» (Auguste Choisy, Histoire De L"Architecture, Paris, 1899). По изданию Всесоюзной академии архитектуры, Москва, 1935 г.